Genetics of ‘Incidental’ Music

by David Roesner

(Based on a presentation at the international conference “Tracing Creation”, Antwerp, 9-11 March 2016)

Abstract: In 2010, I collaborated with the actor and writer Bella Merlin (UC Riverside, California) and director Miles Anderson as the composer and sound designer of Merlin’s one-woman show Tilly No-Body. Catastrophes of Love. The project was an episodic portrayal of the famous Austrian actor Tilly Wedekind (1886-1970) and her troubled marriage to playwright Frank Wedekind, whose muse and leading lady she became at the expense of other engagements as an artist. In this post, I will reflect on the slightly unusual creation process of this highly musical piece of theatre across two continents and a range of technologies. Using concrete examples from the production process, I want to analyze the different kinds of dialogic relationship between music/sound and acting/writing/directing and will seek to tease out some wider implications for the relationship of theatre and music in theatre-making processes.

One of my current interests is to investigate processes and aesthetics of contemporary incidental music, theatre music or sound design (see my comments on the distinction between those terms in Roesner 2018), particularly in European theatre practices. This is an often marginalized area in both theatre and performance studies and musicology – the former tends to feel it lacks the specific competence for analysis, the latter often dismisses it as mere “Gebrauchsmusik” or “utilitarian music” without sufficient musical merit. (A colleague, who writes and performs incidental music very successfully in Germany, Ingo Günther, made a very pithy comment about the notion of utilitarian music: he asked, so what is utilitarian acting, utilitarian directing or utilitarian stage design, then? (Helmig 2015)

In 2008, a special issue of Theatre Research International entitled “Genetics of Performance” was published, which introduced this term to highlight an increasing interest by theatre and performance scholars in rehearsal practices, development processes and the nature of creative work in their field of research. From such a perspective, the music written or adapted for theatrical performances is an interesting case in point, not least because as a discipline/field of work it has seen particularly drastic technological and aesthetic developments in the past two to three decades and has started to leave a wealth of digital traces. So before discussing a case study of a particular sound design I worked on a few years ago, I’d like to sketch out some of these developments.

Theatre Music and genetic research

  1. Incidental Music or Theatre Music, as I prefer to call it (since ‘incidental’ already seems to suggest a marginal role), has become much more neatly fitted to the individual production and much more closely intertwined with its processes of creation. While historically, theatre music was either was a frame (with an opening overture, entr’actes, which separated acts and/or scene changes, and a finale), which had no or merely a passing relationship to the play at hand, or a score produced in relation to a particular play (but not necessarily a particular production) – Beethovens Music for Goethes Egmont [1809], or Mendelssohn’s Music for Shakespeares Midsummer Night’s Dream [1826/43] are famous examples –, today’s theatre composers tend to generate music which is tailored to a specific production and is an integral part of its structure, aesthetics and conceptual design.
  2. Since music production is often (but not always) digital nowadays, creating a score for a show often produces many successive files in sound editing software such as Logic Pro, Cubase or Ableton Live. Like edits in the dramatic text or devised script, these layers of drafts document changes in the dramaturgy, the timing of scenes, the developing aesthetics of performance. They also may give us access to rehearsal strategies, as many directors – from Meyerhold to more contemporary examples – use music in developing scenes, atmospheres, characters and subtexts, while the music itself may well no longer be present in the final performance.
  3. Many theatre musicians nowadays are present throughout the rehearsal period and often even earlier, which means that they no longer primarily re-act to a largely finished product (like most film-composers do), but influence the dramaturgical development and the conceptual ‘reading’ of the material throughout the creative process significantly. This may manifest itself in strong musical assertions, such as musician Bert Wrede and director Michael Thalheimer’s decision to use the film theme of Won Kar Wei’s In the Mood for Love, for almost the entire production of Emila Galotti at the Deutsches Theater Berlin in 2001.
  4. In a post-modern world, theatre music has increasingly become intertextual (again, the clip we have just seen demonstrates this) and with its web of references and citation thus also often documents what films, composers, rock artists etc. were influential points of references for the creation process and left traces on the theatrical imagination.
  5. In terms of performance genetics, theatre music is also interesting due to the complex materiality and mediality of its traces and the related forms of communication. It is a mixture of metaphors (how else to describe music) and very concrete, quantitative data (length or volume of a track), a paradox of the immaterial nature of music and the very tangible means of production and reproduction of instruments, recording and amplification devices, interactive sound design set-ups, etc.

Now I’d like to turn to the case study in question, in which I was involved as a sound designer with the aim to examine our process in relation to its outcome.

Tilly No-Body

Tilly No-Body (Davis, CA, 2010) was written by Bella Merlin who – after playing Lulu as a young actress in London – became fascinated by the first actress to play this part, Frank Wedekind’s much younger wife and muse, Tilly. Tilly had a troubled marriage with Frank and a roller-coaster career on the Weimar stage.

Bella Merlin with a photograph of Frank and Tilly Wedekind. Photo: Barry Schwartz

Bella researched and wrote the script, often using Tilly and Frank’s original texts from plays, letters and Tilly’s autobiography: Lulu – Die Rolle meines Lebens [Lulu The Role of My Life].

It was consciously designed as a one-woman-show with a distinct circus-aesthetic, a range of ‘attractions’ (see show programme below), which cast snapshots on key aspects of this relationship.

A core theme was the question of identity: Bella writes in her blog: “Who are we as actors? What lies beneath the mask? How do we peel away our social, professional, personal, domestic masks to prepare a blank canvas for creating a role? In fact, once we do peel away the masks, does anything lie beneath?” As Tilly was forced by Frank to be exclusively acting in his plays, she was limited to speaking his lines, becoming a mere voice/mouthpiece to his thoughts. The theme of a complex and ‘composed’ personality and its conflicting layers was reflected in the idea of sloughing skins like a snake. Bella wore five costumes underneath each other, shedding them one by one as the performance progressed.

On of Tilly’s many iterations. Directed by Miles Anderson, costumes by Maggie Morgan, stage design by John Iacovelli, lighting by Thomas J. Munn. Photo: Barry Schwartz

Music was already a major feature of the project from its planning stages: Bella herself is a singer-songwriter and had written a number of original songs for the play. She also had very clear ideas about musical moods and sounds for a soundtrack that would help set the scenes in this fast-paced kaleidoscope of locations and interactions. For some of the songs she accompanied herself on a lute (see below), on others, I prepared a backing track for her. Soundscapes, non-diegetic music, live and recorded accompaniment were often neatly interwoven.

Bella Merlin singing her original songs to words/themes from Tilly Wedekind’s life. Photo: Barry Schwartz

The full show can be seen here:

The unusual element of our collaboration, however, was the geographic distance during our collaboration and the need to work together almost entirely virtually.

A Virtual Genesis

With the exception of a first meeting in person a couple of months before rehearsals started, Bella and I had to collaborate across 8 time zones or 5000 miles, since she was working in Davis, California and I was in Exeter, United Kingdom. We only met again for the final week of dress rehearsals and tech runs in Davis. At our first meeting, Bella already had a pretty clear sense of where she felt the show would need music and she had already written four original songs for the piece (inspired not least by Wedekind’s own proclivity for cabaret style couplets), which I later underscored, but also used as a melodic and harmonic basis for most of the scenes.

Contrary to the more wide-spread practice of developing and adding music in reaction to rehearsed scenes, I started developing the music ahead of any rehearsals and had in fact devised most of it by the time rehearsals started. What this meant was that quite against my dearly held convictions about the necessity of an early presence of the theatre musicians at rehearsals and a close co-development of the music with other elements of the mise en scène. I didn’t spent any time in rehearsals, but instead had to rely on Bella’s descriptions via email, filmed excerpts on YouTube and a good dollop of intuition.

For a researcher of the genesis of performances, who in Josette Feral’s words tries to “facilitate the preparation of pertinent and well-informed analyses of the production, studies that take the creative process into account by linking it to the final product presented onstage” (2008, 226) this might lead to a number of reasonable assumptions regarding the relationship of music and theatre in this production. On the one hand, the music preceded the production, but it closely followed the text and its implicit staging, which Bella in her multiples roles as writer, dramaturg and prospective actor had exceptionally clear ideas about. It would be fair to assume this context would lead to a certain compositional coherence, structural clarity and for the music to play an integral role in the subsequent staging.

In contrast, the relative absence from the process and the modelling of pieces of music to filmic snippets as well as in reaction to email instructions, however articulate, would suggest the music might have been more a servant, a filmic underscoring, an afterthought, at worst at kind of illustration or ‘mood enhancement’ to the piece.

I would, however, argue that despite a genetic process that did suggest otherwise, the music was in fact notably closely integrated and interwoven with the performance and in constant flux between following and leading the action and the continuous construction of character that was so central to the piece’s theme. It also was often deliberately contrapuntal. Bella Merlin reflects this:

David often works against the dramatic texture of the scene: if the scene is already melancholic, then he finds a pulse or a key that counterpoints that to add to the audience’s emotional journey. If the scene is frenetic, he finds an atmospheric cranking up of tension in a different time signature from the written text. In this way, he weaves a whole new thread into the fabric of the production. There are times when the sound acts as a partner to the actor: Frank Wedekind’s spirit is often conjured up by the soundscape. Other times, Tilly’s inner state is revealed. Some of the melodies that I have written for the cabaret songs are reconfigured in motifs within the music. Sound effects are given a life that renders them more than just a ticking clock or a tram screeching or a train bell clanging.

Merlin’s production blog for the production of Tilly No-Body, 2010

What a focus on the genesis would also reveal (not least because many exchanges happened in writing) is that due to the time difference and distance certain musical structures and ideas actually prevailed, as we couldn’t change them instantly there and then in the rehearsal room to fit the performance. So by the time I could have made edits and change the length of a piece of the timing of a cue within it, Bella had found an acting solution to match her performance to the score.

And finally, the music was certainly quite eclectic (see examples below) and despite casting a reasonably careful net of motifs and melodic throughlines, it was also characterized by a certain playfulness and ‘ad-hoc-ness’ rather than coherently through-composed. This was not just in response to the dramaturgy of “attractions”, which Bella had developed for the script (see programme notes above), but also due to the material circumstances of the music production. This perhaps suggests another angle on the genesis: a cultural materialist account on creation.

Tilly dances. Music: David Roesner
Backing track to “Girl on an elastic rope”. Music: David Roesner
Tilly as puppet. Music: David Roesner

Cultural Materialism

This approach would suggest that all art is born out of a set of material conditions which leave a mark on their process and result: Theatre music is, more than I wanted to acknowledge, subject to the ‘means of production’ (in Marxist parlance) available at any given time. These became, if I am honest, quite an important sideshow in my process and remind me that even if I tend to give meaning to all artistic choices as expressions of theatrical purpose, performative coherence, dramaturgical structure etc. when writing about practical processes or analyzing performances, there were other drivers at play, too:

One of my concerns was (and is) that given my restrictions of time, equipment and experience I was limited to using readily available software and audio and would fail to make the result sound ‘professional’. I was acutely aware of the material limits and abilities at my disposal and one creative impulse that was entirely external to the show and its theme or dramaturgy, was how to sound ‘good’ (see also: Curtin and Roesner 2016). But where does this notion ‘sounding good and professional’ come from and what does it entail?

In theory, I embrace each and every discourse about the imperfect, the ready made, the ‘cheap but sexy’, the appeal of the trashy, the amateur as a quality etc. etc. Indeed, reference points that occasionally came up between Bella and me due to the cabaret and circus metaphors of the misé en scence were artists like Tom Waits or the Tiger Lillies, who would each run a mile and then some from sounding ‘good and professional’ on the face of it. (Needless to say, a great deal of care goes into their respective sonic scruffiness.)

I did rediscover that ‘finding a sound’ is essential in theatre music, arguably more than any harmonic or melodic considerations: In the digital age, ‘orchestration’ is still important, but it has shifted towards technology, which is at the same time liberating (as it put the means of production into the hands of the creative worker), but at the same time limits them to the choices made available by the affordable software packages. I fell in love with some of the sounds available through Garage Band such as the Glockenspiel (much to the amusement of the creative team), and detested others, mostly brass instruments, still using them as they were called for by the piece.

My other limit and chip on my shoulder that I felt I had to overcome is that I don’t play the piano – which is a real handicap. Luckily, I had a midi pickup for my guitar, which allowed me to play some of the virtual instruments (such as the double-bass and others) with some degree of musicianship. But this means that the music is influenced by my specific instrumental sensibilities and by a number of quirks that happen when you play a virtual saxophone through an electric guitar. (Here, ‘incidental music’ as a term makes sense again due to the accidents and incidents that may shape the final result.)

I guess what I am trying to say here, and what a cultural materialist’s awareness would highlight, is that a great deal of my creative choices were an inextricable mixture of musico-dramaturgical ideas and concepts, music-technological limitations and opportunities and some largely extra-musical anxieties born perhaps out of my dual professional personality as an academic and artist, with an emerging heavy imbalance towards the academy. The latter, however, would probably remain largely invisible to the cultural materialist unless he/she was able to offer a thick description and was privy to insights also into some of the immaterial factors going into artistic processes.

So, the point I am trying to make with my perhaps rather narcissistic account, is that there are some rather interesting and unusual factors to consider in genetic research and that theatre music is a particularly interesting prism though which to look at these processes:

  • Theatre music occupies an intersection between temporal and spatial dramaturgies;
  • It is related to structure, atmospheres and characters alike;
  • It is both immaterial and highly technical;
  • It is influenced by considerations of concepts, abilities, and material conditions;
  • It follows a good deal of intuition and taste
  • It negotiates the coherence of the performance with a musical coherence.

Conclusion

I will pause and finish on this last point: Creating theatre music and sound design is perhaps a more intuitive process than I wanted to admit: it is determined by body memory (in relation to instruments) and habits with the various interfaces one uses – usually the computer. Despite many conceptual and dramaturgical considerations (many of which fell by the wayside eventually), a musical ‘instinct’ often takes over, which I find difficult to attribute meaning to, when wearing my academic hat.

The process or “genesis” is then characterized by emergent dramaturgies and processes. Jeffrey Goldstein defines “emergence” as follows: “The arising of novel and coherent structures, patterns and properties during the process of self-organization in complex systems” (Goldstein 1999). Theatre music could thus be regarded the result of a process between human and non-human agents, by which structures, relationships, motifs, sounds etc. come to the fore and fall into place; a process which couldn’t have been thought of or determined in advance, and also could probably not have been fully articulated at the time. But how, then, as researchers do we frame and analyze the serendipitous, emergent, playful, intuitive and arbitrary? Any comments or suggestions?


Aufeinander hören. Wie Klangerzeugungstechniken in den kreativen Theaterprozess eingreifen

Ein Gastbeitrag von Dr. Katharina Rost (Universität Bayreuth)

Der Theatermusiker Alexander Dafov, verantwortlich z. B. für die Musik in Dimiter Gotscheffs „Der Mann ohne Vergangenheit“, verriet mir bei einem Gespräch, dass eine der zentralen und immer wieder gestellten Fragen Gotscheffs während der Probe lautete: „Hörst du da Musik?“ Die Frage verweist auf das – in diesem spezifischen, aber auch in vielen anderen Beispielen vorkommende – enge Verhältnis zwischen Regie und Theatermusik. Die Frage nach der Verbindung eines ‚Da’ mit Musik („Hörst du – da – Musik?“) verweist auf die potentielle Musikalität einer gerade probierten Situation bzw. eines szenischen Geschehens. Zugleich manifestiert sich in der Frage auch, dass nicht jede Situation, jede Szene der Musik bedarf. Ob und welche Musik erklingt, ist das Ergebnis der Aushandlung während der Proben, und diese Aushandlungsprozesse verlaufen auf sehr unterschiedliche Weisen.

Um mehr über den Arbeits- und Probenprozess zu erfahren, habe ich eine Reihe von Theatermusikern zu Einzelgesprächen getroffen und festgestellt, dass sie – zumindest die von mir Befragten – während der Proben aktiv in den Kreations- und Präsentationsprozess eingebunden sind.

An dieser Stelle sei aber erwähnt, dass für mich hier noch sehr viele methodologische Fragen offen sind, die sich auf das weitere Vorgehen bei dieser Probenforschung beziehen. [Eine Arbeitskonferenz zu diesem aufstrebenden Zweig in der Theaterwissenschaft zum Thema “Methodologische Diskurse der aktuellen Probenforschung” hat mittlerweile von 5. bis 6. April 2019 unter der Leitung von David Roesner und Tamara Yasmin Quick am Institut für Theaterwissenschaft der Ludwig-Maximilians-Universität München stattgefunden.] Bislang habe ich meine Fragen bei interviewartigen Gesprächen – mal audiotechnisch, mal durch handschriftliche Notationen festgehalten – und über einzelne noch nicht systematisierte Fragekataloge gestellt —

Diese Formen brachten zwar bestimmte Ergebnisse, doch habe ich auch den Eindruck gewonnen, dass sie teilweise an meinem eigentlichen Ziel vorbeiliefen. Zum einen muss ich die Art meiner Fragestellung überprüfen und modifizieren; zum anderen habe ich festgestellt, dass die Antworten so formuliert werden, dass mir kaum je eine zufriedenstellende, weil präzise oder klare oder ausführliche Erläuterung gegeben wird – damit meine ich keineswegs, dass die Theatermusiker sich nicht professionell über ihre Arbeit mitteilen konnten. Doch häufiger vorkommende Formulierungen wie z. B. – „Wir verstehen uns da häufig einfach.“ (D. Murena), „ja – man merkt sofort ob etwas gut und sinnvoll ist oder nicht.“ (B. Wrede), „I just play it, it is like normal rehearsal.“ (R. Jansen) oder „Dadurch, dass wir uns auch gut kennen, weiß ich auch ungefähr, hier bräuchte er [Th. Ostermeier] das, oder hier würde das gut funktionieren.“ (N. Ostendorf) – deuten an, dass unter Theatermusiker*innen ein stillschweigendes und kaum irgendwann explizit artikuliertes Verständnis bestimmter Prozesse vorliegt, das die intendierte Wirkung und die Prozesse zu ihrer Erreichung umfasst. Das Wissen, wann etwas gut oder passend ist, und das Sich-Verstehen zwischen Regisseur*innen und Theatermusiker*innen spielt sich zwischen ihnen durch Gespräche, kurze verbale Kommentare oder Aufforderungen und über Blicke und gestische Zeichen, aber kaum über verschriftlichte Auseinandersetzungen ab. Diese ereignishaften, dynamischen, situativ bedingten Prozesse primär nonverbaler Kommunikation während der Proben herausarbeiten zu wollen, macht andere Methoden (auch hier sei nochmal auf die Münchner Arbeitskonferenz verwiesen) erforderlich, als ein Fragebogen oder ein Interview – teilnehmende Beobachtung während eines Probenprozesses über einen längeren Zeitraum hat sich mittlerweile als ein praktikabler Weg herauskristallisiert, an diese Prozesse näher heranzukommen. Eine solche Teilnahme habe ich bislang allerdings nicht durchgeführt – bis auf einen eintägigen Probenbesuch bei Jette Steckel und Mark Badur am DT bei der Arbeit zu „Die zehn Gebote“ und einer längeren künstlerischen Assistenz bei Deborah Hay, während derer ich auch die Zusammenarbeit der Choreographin mit dem Sound Designer Mattef Kuhlmey verfolgen konnte.

Bislang greife ich also auf die Gespräche zurück und lese aus ihnen die verschiedenen Kriterien der musikalischen Arbeit und des Zusammenspiels mit den anderen beteiligten Künstler*innen ab. Die Präsentationen der Musiker*innen während der Theaterproben können sowohl als Performances als auch als funktionale Darbietungen im Kontext einer – mehr oder weniger – zielgerichteten künstlerischen Aushandlung aufgefasst werden. Auf der einen Seite handelt es sich um einen ästhetisch-künstlerischen Findungsprozess der Lautlichkeit einer Aufführung, auf der anderen Seite besitzen die Laute im Kontext der Proben zugleich pragmatische Funktionen, wie z. B. die Schauspielenden zu motivieren, zu inspirieren oder zu strukturieren.

Ich gehe davon aus, dass die Lautgestaltung von zentraler Bedeutung für den Kreationsprozess von Theateraufführungen ist und sich im Probenprozess wie auch während der Aufführungen durch ihre

  1. performative, b. räumliche, c. zeitliche, d. affektive, e. evokative Dimensionen niederschlägt.

Die befragten Theatermusiker sind bei den frühen Konzeptionstreffen dabei und in die Vorbesprechungen zu Bühnenbild und Regie-Ansatz involviert. Bei diesem oder einem weiteren, manchmal nur zwischen Regie und Theatermusik stattfindenden Treffen stellen sie dann auf der Basis der Vorgespräche erste Ideen vor. Bei diesen handelt es sich zumeist noch um fragmentarische Sequenzen, die jeweils als möglicher „Grundsound“ (Nils Ostendorf) der gesamten Inszenierung vorgeschlagen werden. Ist dann die Richtung der angestrebten Lautlichkeit gefunden, beginnt die weitere Kompositions-, Produktions- und Bearbeitungsphase meist mit den Proben. Während das Bühnenbild auf der Probebühne zumeist noch nicht gegeben ist, treten auf diese Weise Sounds, Popsongs, Melodiesequenzen oder Geräusche bereits in eine direkte Beziehung zum entwickelten szenischen Geschehen. Dabei gehen die einzelnen Theatermusiker*innen auf relativ unterschiedliche Weisen vor, was einerseits vom jeweiligen institutionellen Kontext, von der ästhetischen Zielsetzung und der Organisation des gesamten künstlerischen Teams sowie andererseits von der individuell je unterschiedlichen Arbeitsweise der Musikerin oder des Musikers abhängt. Das Ausmaß und die Art der Interaktion zwischen Musiker*innen, Regisseur*innen und Schauspieler*innen variieren, es gibt Unterschiede in der Organisation der Weiter- und Nachbearbeitung des lautlichen Materials; ob mit der Musik improvisiert wird oder nicht, hängt vom jeweiligen Fall ab. Das Erarbeitete wird verschieden fixiert.

Es gibt aber – unter den von mir Befragten – einige grundlegend übereinstimmende Faktoren im Probenprozess. So spielen sie einzelne musikalische Sequenzen, eigene digitale Produktionen oder Live-Musik an Instrumenten, Soundeffekte oder bestehende Popsongs ein und stehen im ständigen Austausch mit Regie und Schauspiel. Sie interagieren mit den Schauspieler*innen, indem sie Impulse geben für die Szene, die probiert wird. So war in den Gesprächen die Rede davon, die Probensituation zu entkrampfen, die Schauspielenden zu aktivieren und durch das Geben akustischer Atmosphären zu stimmen, also in eine emotionale Gestimmtheit zu versetzen und sie auf diese Weise vielleicht noch stärker in ihre Figur zu bringen.

In dieser Hinsicht äußert sich Nils Ostendorf folgendermaßen:

 

Mark Badur benutzt diesbezüglich die Metapher des Surfens, um zu verdeutlichen, inwiefern die Schauspielenden die eingespielten Klänge für ihr Spiel nutzten: „Sie surfen darauf“.
Aber es geht auch andersherum – wie mir Nils Ostendorf sagte, beeinflussen auch die Schauspielenden und das szenische Geschehen wiederum seinen Kompositions- und Produktionsprozess:

Zudem äußerten sich die befragten Theatermusiker auch dazu, dass sie während dieser Prozesse immer auch auf die Gesamtdynamik der Szene achteten. Dies deutet daraufhin, dass während der entsprechenden Proben eine Idealvorstellung der erwünschten Spannung oder Aufgeladenheit mitschwingt, an deren Hervorbringung die Musik – zumindest im Probenprozess und dann häufig aber auch in der Aufführung – einen gewichtigen Anteil besitzt. Während der Proben gehe es oft um das Austarieren dieser Spannung; eine Veränderung der Lautstärke, des Rhythmus, der Tonhöhe und des Timbres der gehörten Laute kann diesen Prozess maßgeblich beeinflussen. In Ostendorfs Worten:

Der Begriff der Temperatur eines szenischen Geschehens tauchte in den Gesprächen häufiger auf; und auch die räumliche Bedeutung der Musik wurde von vielen Theatermusikern betont. So spricht Matthias Grübel, der u.a. für Falk Richters PROTECT ME Sound Design machte, davon, in den Proben mit Sounds „Räume aufzumachen, die nicht da sind und in denen eine gemeinsame Idee entfaltet werden kann, die ohne Musik keinen Raum hätte“.
Aus dem Vorangehenden schlussfolgere ich, dass die für die Aufführung kreierte Lautlichkeit auf eine sehr grundlegende Weise mit der entstehenden Arbeit verflochten ist. Über eine konzeptionelle Dimension hinaus wirken sich die Aktivitäten in den Bereichen der Lautgestaltung, der Regie und des Schauspiels im Probenprozess so intensiv aufeinander aus, dass sie nicht getrennt voneinander zu analysieren sind. Insgesamt wirken die Theatermusiker*innen dabei auf eine so intensive Weise an der Produktion der Inszenierung mit, dass in gewissen Fällen gar von einer – ich zitiere Richard Jansen, Sound Designer für Susanne Kennedy – „Tondramaturgie“ ausgegangen werden könnte.

Häufig resultieren aus der intensiven Zusammenarbeit dauerhafte Kooperationen – wie z. B. zwischen Thomas Ostermeier und Nils Ostendorf, zwischen Michael Thalheimer und Bert Wrede, zwischen Jette Steckel und Mark Badur oder auch zwischen Herbert Fritsch und Ingo Günther, die mit den bekannten Paarbildungen zwischen Regisseur*innen und Bühnenbildner*innen vergleichbar, doch bei weitem nicht in gleichem Maße bekannt und theaterwissenschaftlich aufgearbeitet sind.

Ich gehe davon aus, dass im Verlauf der Proben verschiedene Wissensformen angewandt und konstituiert werden, die bislang von der Theaterwissenschaft nicht systematisch festgehalten und analysiert worden sind und die sich einem solchen Zugriff auch entgegensetzen, da sie aufgrund ihrer Performativität, Körperlichkeit und Dynamik nur schwer zu verschriftlichen sind. Es handelt sich um verschiedene Formen eines impliziten Wissens, das mit dem Körperwissen verwandt ist, aber sich doch auch noch als ein Wissen um Situationen und um Spannungen manifestiert. Hierzu zählen:

– Techniken zur Hervorbringung von Klangräumen/Atmosphären/ einer Art akustischer Szenografie (im wortwörtlichen Sinne: eines akustischen Bühnenbilds mit räumlicher Ausdehnung, Schichtung, Härte, Tiefe etc.)

– Techniken der Steuerung von „Klangenergie“ (affektive und körperlich-leibliche Intensität)

– Techniken des Austarierens von Lautstärken, der Rhythmisierung, der Dynamisierung

– Praktiken der Awareness und des „Listening“ (nonverbale Kommunikation im Sinne eines Aufeinander-Lauschens; Dynamiken von energetischen Zuständen zwischen Ruhe und Unruhe; ein spezifisches Verständnis von ‚Resonanz’)

– ein Wissen zu szenischer Empathie (nicht primär als Einfühlen in eine Figur, sondern vielmehr in eine ganze Szenerie)

– Techniken des Memorisierens, Notierens, Vermittelns und Archivierens von nicht-objekthaften Prozessen der Klanglichkeit, Bewegung, Energie, Aufmerksamkeit

Diese Techniken, Praktiken und Wissensformen sind nicht speziell und ausschließlich für Lautgestaltende im Theater relevant, sondern sie erleben eine verstärkte Aufmerksamkeit in einer Kultur, die beginnt, sich neben dem bisher – und weiterhin – dominanten Visualitätsprimat noch für andere Formen des Wahrnehmens, Erlebens und Sich-Ausdrückens zu interessieren, da die mediale und gesellschaftliche Entwicklung eine solche Erweiterung notwendig macht. Im Kontext einer Kultur, in der Teilhabe, Partizipation, Engagement und Verantwortung als Werte verstärkt Beachtung finden und der geisteswissenschaftliche Fokus zunehmend auf das ‚Zwischengeschehen’ – z. B. zwischen Subjekt und Objekt – gerichtet wird, erlangt die Erkundung des spezifischen Wissens in der Lautgestaltung eine größere Bedeutung.
Ich nehme an, dass im professionellen Umgang mit Sounds, Musik, Geräuschen und Stille ein implizites und spezifisches Wissen über energetische, affektive, zeitstrukturierende Prozesse generiert wird, das nicht nur für den künstlerischen Kreationsprozess von Bedeutung ist. Zusammenfassend ist darauf zu schließen, dass Lautgestaltende als Experten des Auslotens von energetischen, ephemeren, fluiden Dynamiken eingeschätzt und befragt werden können.

Auf der Suche nach der Musikalität des szenischen Materials –

„Hörst du da Musik?“

Von Katharina Rost 

 

(Dieser Beitrag wurde als Vortrag bei der GTW Tagung 2018 in Düsseldorf erstmals veröffentlicht.)