Like Lovers Do ( Memoiren der Medusa) – ein Lied für… Theatermusik?

von Sivan Ben Yishai
Deutsch von Maren Kames

Mit: Gro Swantje Kohlhof, Jelena Kuljić, Bekim Latifi, Edith Saldanha,
Mehmet Sözer | Stimme: Wiebke Puls

Regie & Choreografie: Pınar Karabulut | Bühne: Michela Flück |
Kostüme: Teresa Vergho | Musik: Daniel Murena | Licht: Jürgen Tulzer |
Dramaturgie: Mehdi Moradpour


Wir freuen uns sehr über die Nachricht, dass Like Lovers Do (Memoiren der Medusa) zum 59. Theatertreffen der Berliner Festspiele eingeladen worden ist, und gratulieren von Herzen! Über das Regieteam um Pınar Karabulut (derzeit Hausregisseurin der Münchner Kammerspiele) mit dem Münchner Theatermusiker Daniel Murena berichteten wir bereits mehrfach auf unserem Blog (In den Straßen keine Blumen / Im Gespräch mit Daniel Murena / Musik als Mitspieler?). Die Jury des Berliner Theatertreffens beschrieb die Inszenierung wie folgt:

„Sivan Ben Yishai hat ein finster-poetisches „Lied“ über
strukturellen Sexismus und sexualisierte Gewalt geschrieben, das Widmung
auf Widmung häuft: an alle, die mit Worten und Taten erniedrigen,
verletzen und töten, aber auch an alle Wegschauenden und solche wie
Athene, die Medusa dafür bestrafte, dass Poseidon sie vergewaltigt
hat. Nichts davon ist auf der Bühne zu sehen; keine Selfiesticks, die
an spermatriefende Vaginen heranzoomen, keine blutigen Entmannungsakte,
keine individuellen Leidensgeschichten. Pınar Karabulut zeigt ihre
fünfstimmig Klagenden als von der Amüsierverpflichtung der Popkultur
gezeichnete genderfluide Wesen, die in Alien-Superhelden-Punk-Kostümen
maschinelle bis rituelle Bewegungen ausführen und die Platinperücken
fliegen lassen. Doch eine Verharmlosung ist diese kluge Setzung
keineswegs. Das Ganze bleibt ungemütlich, wenn auch auf andere Art als
der Text: zu laut, zu grell – bis zum augenzwinkernden,
unterschiedliche Formen des Empowerments erprobenden Schluss.“ (Statement der Jury Berliner Theatertreffen)

Doch wie klingt dieser Abend?

Das geht aus dem Statement der Jury nicht hervor, gleichwohl sich die omnipräsente Theatermusik von Daniel Murena musikdramaturgisch eng mit den szenischen Vorgängen verzahnt, sich an diese anschmiegt oder diese auch mal in ihrem Repräsentationsmodus bloßstellt – und der ganze Theatertext als ein „Lied“ komponiert ist.

Ich besuchte die Vorstellung am 22. Februar 2022 und möchte im Rahmen dieses Blog-Beitrags dazu beitragen, die klaffende Leerstelle einer künstlerischen und akademischen Reflexion von aktueller Theatermusik zu füllen.  

Münchner Kammerspiele: Like Lovers Do (Memoiren der Medusa), Gro Swantje Kohlhof, Bekim Latifi, Jelena Kuljić, Edith Saldanha, Mehmet Sözer (vlnr), Foto: Krafft Angerer

Noch bevor das erste Wort gesprochen wird, erklingt Daniel Murenas Musik wie ein arhythmischer Herzschlag mit metallischem Nachklang – irgendwie organisch, und doch steril, unheimlich. Mein Kopfkino geht sofort los, ich male mir unterschiedliche Situationen und Szenen aus, zu denen diese Klangkulisse passen könnte, die diese repetitive Soundsequenz narrativ erklären würde. Dazu tanzt Edith Saldanha Contemporary: fließende Bewegungen wechseln sich mit scharfen, akkuraten Moves ab, dazu Headbanging. Wo sind wie hier? Wer performt da auf der Bühne? Ich kann meine Augen nicht vom Geschehen lösen, fühle mich wie in einem Sog und schwebe doch „semantisch“ im luftleeren Raum, irgendwo zwischen Ritus und Pop.

Musik: Daniel Murena / Like Lovers Do

Dann endlich, die ersten Worte werden chorisch rezitiert und halten nicht lange hinter dem Berg, um was es in diesem Theaterstück geht: „Dieses Lied ist für …“ –  mit dieser immer wiederkehrenden Widmung wird ein unmittelbarer musikalischer Rahmen der Interpretation textlich benannt, und wir sehen und hören ungefiltert ein groteskes Klagelied und eine zynische Hommage an die zahlreichen Täter sexueller Nötigung und Gewalt.

Musik: Daniel Murena / Like Lovers Do

Die Regisseurin Pınar Karabulut versteht es, einen hochreflektierten und gewitzten Umgang mit den Theatermitteln wie eine spacige Zirkusnummer aussehen zu lassen (auch Dank des Bühnenbildes von Michaela Flück, das tatsächlich wie eine Manege um ein blutendes Vagina-Planschbecken aussieht) – abstrakt in der Form und erschütternd konkret im rezitierten Text, überzeichnend, künstlich, und doch punktuell echt, authentisch. Die „fünf besten Freundinnen“ treten als greifbare Metapher für die mythologische Figur der Medusa auf, die mit ihren Schlangenhaaren schließlich auch noch optisch in Erscheinung tritt: Medusa, die im Tempel der Athene von Poseidon vergewaltigt wurde, ist eines der ersten dokumentierten Opfer sexueller Gewalt, wird in der digitalen Einführung treffend beschrieben – ein Opfer, dem nicht geholfen wurde, sondern das stattdessen bestraft und verflucht wurde.

Münchner Kammerspiele: Like Lovers Do (Memoiren der Medusa), Bekim Latifi, Foto: Krafft Angerer

Der Abend spielt auf vielfältigen Meta- und Paraebenen und spinnt mit den unterschiedlichen Erzählfäden ein dichtes Netz des Schreckens und der überzeichneten Aufarbeitung sexueller Gewalt. Er löst Assoziationen aus und versteht es doch, auch mithilfe der figuralen Aufteilung eines narrativen Charakters in fünf Schauspieler*innenkörper und der parallelen Verhandlung vieler Frauen- und Männerschicksale, nicht zu einem rührigen Selbsthilfe- und Bewältigungsprogramms eines Einzelschicksals zu „verkommen“ –  denn sexuelle Übergriffe, Gewalt und Vergewaltigung sind keine Einzelschicksale: Das macht dieser Abend unter Einbeziehung und dominanter Beherrschung sämtlicher Mittel, die der Theaterbaukasten zur Verfügung stellt, ganz deutlich.  

Musik: Daniel Murena / Like Lovers Do

Daniel Murenas Musik ist wie ein vielsätziges Konzert aufgebaut, abwechslungsreichsreich und virtuos in den Tempi, Dynamiken und der Intonation des Sounds und des Textes – ein dicht komponiertes, musikalisches und optisches Feuerwerk, das akustisch wie szenisch einen nervenkitzelnden Seiltanz auf Messers Schneide zwischen überdrehter Surrealität, Groteske, Hysterie und bitterem Ernst, Angst und Trauma ausbalanciert.

Musik: Daniel Murena / Like Lovers Do

Der Einsatz von Handmikrophonen (wenn auch keine innovative Idee per se)  funktioniert meiner Ansicht nach dennoch hervorragend als theatrales Mittel, die Stimme zu erheben, Missstände, Probleme und Skandale öffentlich zu machen, Menschen zu Wort kommen zu lassen, die etwas zu sagen haben, das alle in einer soziopolitischen Gemeinschaft etwas angehen muss. Strukturelle Probleme und Tabuthemen, die auch im 21. Jahrhundert noch lange nicht überwunden sind, sondern als gelebte Narrative noch immer weiterbestehen, werden an den Pranger gestellt: Sexueller Gewalt wird noch immer ein großer Handlungsraum gegeben, wird stellenweise in der Tabuisierung gar ein Nährboden bereitet – auch das Wegschauen wird in diesem Stück immer wieder thematisiert.

Der Theatertext macht zum Ende einen Twist, öffnet eine utopische (?) Blase und kehrt die Machtverhältnisse um, lässt die Unterdrückten aktiv werden, „entmannt“ sinnbildlich alte Narrative einer patriarchalen Geschlechterhierarchie und überlässt den über Jahrhunderte geschädigten Frauen (und auch Männern) das Steuer in eine neue, emanzipierte Gesellschaftsordnung mit neuen sozialen Umgangsformen.

Murena zitiert vielfältige Genres und Musikästhetiken an, setzte harte Cuts in der akustischen Gesamtkomposition des Abends und lässt nicht nur einmal das Lachen im Halse stecken – denn ja, trotz des ernsten Themas wird dieser Abend auch über weite Strecken komödiantisch erzählt – etwa wenn der Dirty Dancing-Song „The Time of My Life“ von drei der „fünf besten Freundinnen“ mit deutlich anderem Text geträllert wird, wenn eine Vergewaltigung haarklein in einem liturgisch-anmutenden Sprechgesang geschildert wird, wenn ein mächtig orgelnder Totenchoral erklingt…

Musik: Daniel Murena / Like Lovers Do

Der Regie-Baukasten wird großzügig genutzt und vom gesamten Team – hinter der Bühne wie auf der Bühne – dominant und reflektiert beherrscht: opulente Neon-Kostüme (Teresa Vergho), ein Bühnenbild, das als Bühne bzw. Manege selbst inszeniert ist, Bühneneffekte- und maschinerie samt Flug, Wasser und Nebel, ein zum Stückende immer wieder bewusstes Durchbrechen der vierten Wand und unmittelbares Reflektieren des Stücks, der Stückwahl und -ankündigung auf offener Bühne, eine direkte Ansprache an das Publikum.

Dazu auf musikalischer Seite ein durchgängiger Soundscape, chorisches und rhythmisches Sprechen, eine ausdifferenzierte Musikalisierung von Sprache und Bewegung, intertextuelle Verweise auf Filmliteratur, und in just dem Moment, wenn die ersten womöglich trotz der knackigen Kürze des Abends auf die Uhr geschielt hätten, wird ein 15 Minuten Countdown bis zum Ende der Inszenierung eingeblendet. Mit diesem Countdown wird die Stückdauer, die gemeinsame, theatral und musikalisch geframte Zeit offengelegt, eine performative Verdichtung zum Finale hin evoziert, und auch eine Raumfahrt-Assoziation, die bei mir persönlich allein schon durch die poppig-spacigen Kostüme und die Medusa-Tentakeln hervorgerufen wurde, wird bedient und fulminant auf die Spitze getrieben, wenn die Figuren am Ende tatsächlich wie zufällig gestrandete Außerirdische in ihrem Raumschiff in die unendlichen Weiten des Schnürbodens davonschweben – zuvor noch von einer ganzen Technikerkohorte nach geltenden Sicherheitsstandards festgeschnallt, die den Performer*innen im Abflug auch noch freundlich nachwinken…

Musik: Daniel Murena / Like Lovers Do
Münchner Kammerspiele: Like Lovers Do (Memoiren der Medusa), Bekim Latifi, Edith Saldanha, Mehmet Sözer, Jelena Kuljić, Gro Swantje Kohlhof (vlnr), Foto: Krafft Angerer

Weitere Informationen zum Stück, ein digitales Programmheft und eine
digitale Einführung gibt es auf der Homepage der Münchner Kammerspiele

Nächster Vorstellungstermin: So 6.3. um 19.00 Uhr

Groundwork: Abschlussarbeiten zum Thema Theatermusik

Während Publikationen in der Theater-, Literatur- oder Musikwissenschaft zum Thema “Theatermusik” immer noch rar sind (Ausnahmen siehe hier), gibt es immer wieder Bachelor- und Masterarbeiten in diesem Bereich. Da dies oft spannende Beiträge zum Diskurs sind und zum Teil mit akribischen Detailanalysen zu einzelnen Musiker*innen, Regisseur*innen und Inszenierungen aufwarten, werden wir in loser Folge solche Arbeiten auf dieser Seite des Blogs veröffentlichen. Dazu posten wir jeweils ein kurzes Abstract des Textes sowie das PDF der eingereichten Arbeit. Das Copyright bleibt natürlich bei den jeweiligen Autor*innen und die Arbeiten müssen genauso korrekt zitiert werden, wie andere Publikationen auch, wenn man sich darauf beziehen möchte.

Wir bitten außerdem darum, die PDF Dokumente keinesfalls weiterzuschicken und zu zirkulieren, sondern – wenn man Kolleg*innen, Forscher*innen, Student*innen usw. darauf aufmerksam machen möchte – direkt auf den entsprechenden Blog Eintrag zu verlinken.

Weiterhin freuen wir uns jederzeit über neue Arbeiten: wenn Sie etwas passendes geschrieben oder betreut haben, setzen Sie sich gerne mit uns in Verbindung!

DFG Projekt Theatermusik theatermusik@lrz.uni-muenchen.de

Carolin Müller-Dohle: “Say it with music” (2019)

Abstract

In Christoph Marthalers inzwischen Kult gewordenem Abend Murx den Europäer […] sowie Clemens Sienknecht und Barbara Bürks Inszenierung von Effi Briest, nur mit anderem Text und anderer Musik wird – soviel ist schnell klar – mehr musiziert als repräsentiert, mehr gesungen als gesprochen. Die Musik hat sich, obwohl beide Produktionen als Sprechtheater klassifiziert sind und an namhaften Schauspielhäusern produziert wurden, vom Begleitmedium zum autarken erzählerischen Ausdrucksmittel emanzipiert.

Bereits hier zeigt sich, dass eine Zuordnung zu den gängigen Sparten wie Sprech-, Tanz- und Musiktheater irreführend ist und eine solche Festlegung der Arbeitsweise und dem künstlerischen Resultat beider Inszenierungen nicht gerecht werden kann. Vielmehr bewegen sie sich in einem Schwellenbereich, der wissenschaftlich bis auf wenige herausragende Ausnahmen immer noch wenig Beachtung findet – obwohl sich Theaterproduktionen solcher Art mehren und inzwischen fester Bestandteil der Spielpläne sind. Auch aus diesem Grund war die Zielsetzung vorliegender Arbeit, Mechanismen und Arbeitsweisen oben beschriebener Theaterpraxis zu untersuchen und deren Auswirkungen auf Dramaturgie und Rezeption zu reflektieren. 

Teil der Analyse beider Produktionen ist eine umfassende Diskussion der Performativität der beteiligten Darsteller*innen und Musiker*innen, die jenseits einer mimetischen Repräsentation einzuordnen ist. Reflektiert werden die sich daraus ergebenden Fragen u.a. mit Patrice Pavis’ Essay „Der zeitgenössische Schauspieler: Von der Rolle zur Partitur und Subpartitur“ sowie Philip Auslanders Forschungen zum Begriff der Musical Persona.

Weiterführend nimmt die Arbeit anhand der gewonnenen Erkenntnisse die gesamte Dramaturgie von Murx und Effi Briest in den Blick. Die musikalisch geprägte zeitliche Organisation respektive der Gesamtrhythmus beider Inszenierungen überschreitet das Erfüllen formaler Kriterien – vielmehr fallen Form und Erzählung ineinander. Somit kommt in diesen Fällen ein anderer Dramaturgiebegriff zum Tragen als im Theater psychologisch-narrativer Prägung. Dementsprechend muss auch die Rezeption unter diesem Blickwinkel neu beleuchtet werden, da die Offenheit des Materials, so die diskutierte These, ein prozesshaftes Sehen in Gang setzt. Mithilfe von Beiträgen aus der Musikwissenschaft soziologischer Prägung wie Simon Friths Performing Rites, wird auch der soziale Aspekt der ausgewählten und performten (Pop-)Musik untersucht. Anhand der Definition von Musik als sozialer Aktivität wird die Überlegung angestellt, dass das Wirken der Musikerdarsteller*innen in beiden Theateraufführungen individuelle Anknüpfungspunkte bieten und zugleich einen kollektiven Sehprozess auslösen kann.

Making of…

In previous posts and guest entries, we have already reflected on the value of “making of” or “how to” contributions to the field of theatre music: insights into the working processes and thoughts behind creating and performing compositions for theatre. Sometimes, these take the form of handbooks (e.g. Bruce 2016), academic studies (e.g. Taylor 2018; Roesner 2019) or public talks (e.g. with Benjamin Kwasi Burrell or Paul Clark).

In addition, some theatre musicians / composers are making the effort to produce making ofs and/or tutorials to demonstrate what it is they do, how they work and reflect about their process and their aesthetics and to lift the curtain on some of their “tricks of the trade”: technologies they use, tools they have found useful etc.

A great example (with many thanks to Kornelius Paede for recommending this to me!), are two videos by Berlin-based composer Hainbach, in which he documents and demonstrates his process for creating music tracks for the theatre. They are a fascinating watch for composers, theatre directors and academics alike, I would suggest.

Hainbach: Composing Music for Theatre: Acoustic Instruments, Synthesizers and Tape (2018)

Hainbach: Composing On The Modular Synthesizer: Theatre Soundtrack

In the spirit of making this blog an accessible and useful hub for thoughts and information on theatre music, please feel encouraged to suggest further videos / talks / articles / making ofs in the comments, which shed light on this arts and its crafts, which are too often not appreciated enough or understood sufficiently.

Adjacent fields

It frequently occurs to me how much our “object” of study – contemporary theatre music – overlaps or blurs with other objects, disciplines and projects. Sometimes this is due to aesthetic similarities that occur across quite different genres – the relationship of music, space and movement may be similar in a dance piece, a music-theatre project and a devised theatre performance, sometimes there are cross-pollinations on the levels of processes, venues or people. Paul Clark, e.g. writes music for theatre productions of Katie Mitchell (there is a great conversation about their collaboration on YouTube) and is co-director of Clod Ensemble, whose productions defy genres, but fall under the wider bracket of dance.

And finally, there are adjacent research areas, disciplines, methodologies and projects, which more or less immediately impact on the ways in which can seek to analyze and understand theatre music as a creative relational practice.

One such project is the fascinating ongoing study “Aural/Oral Dramaturgies: Post-Verbatim, Amplified Storytelling and Gig Theatre in the Digital Age”. This is funded as an AHRC Leadership Fellowship held by Duška Radosavljević at The Royal Central School of Speech and Drama, University of London and warrants flagging up in this blog as there are many shared interests.

So much so, that Duška invited me to contribute to the podcast series “Lend me your ears”, that is a crucial part of the project’s outcomes. For the so-called “Salon” strand, Katharina Rost and I had a very rich conversation with director, musician and artistic co-director of the Zurich Theatre Nicolas Stemann, which is now published on the Auralia.space website.

Moving to the beat of its own drum – Contemporary theatre music in relation to gesture and space

Presentation by David Roesner at the symposium “Music as an Experimental Field for Movement“, from 14–16 September 2020 in Strobl am Wolfgangsee, concept and organisation: PD Dr. Stephanie Schroedter with assistance from Lisa Konnerth

Context

To contextualize this presentation, I will first quote the conference booklet by Stephanie Schroedter, which outlines the aims and objective of her symposium, which forms an integral part of her DFG-funded project “Körper und Klänge in Bewegung. Modelle einer musikchoreographischen Inszenierungs- und klangperformativen Aufführungsanalyse”:

Responding to the latest developments in contemporary music/dance theater and music/dance performances, this symposium will analyze interrelations between music/sounds and (body) movements (that is, audio-visual-kinaesthetic sensations also beyond straightforward narrative stories). How are music/sound and (body) movements/dance related in artistic processes, including rehearsal processes? What models can be determined in this regard, and to which aesthetics of effect do they correspond? And: What are the consequences for their perception, the hearing and seeing of movements, as well as for their description and analysis?

Starting from such questions, a broad spectrum of performances will be up for debate, drawn from a wide variety of areas, genres and styles, including productions that dissolve the boundaries of the stage, such as installations or video productions. The aim is to investigate relationships between music and bodies, but also the physicality of music itself, as well as the interweaving of music and movement (as implicit/invisible but audible movement, or on the basis of explications such as choreographed/physical movements).

At the same time, questions should be raised as to whether and to what extent these models can be traced back to the achievements of avant-garde artists since the early 20th century. Which interrelations can be determined within the context of earlier/pioneering works that, regardless of their specific characteristics, have comparable basic structures or arrangements?

Speakers may present source or philologically oriented studies, staging or performance analysis-led studies, or a combination of these approaches. The objective is a critically stimulating, multi-perspective discussion about music/sound in relation to bodies/physicality and movement on stage, which opens up inter-/ trans- disciplinary horizons – without having to abandon one’s own artistic/disciplinary “center”

(Schroedter 2020)
Presentation, Part 1
Presentation, Part 2
Presentation, Part 3

Case Studies:

Thomas Ostermeier’s Richard III (Schaubühne Berlin 2015), Felix Rothenhäusler’s Nichts von euch auf Erden (Münchner Kammerspiele 2015) and Christopher Rüping’s Dionysos Stadt (Münchner Kammerspiele 2018).

Presentation, Part 4
Presentation, Part 5
Presentation, Part 6
Presentation, Part 7
Presentation, Part 8
Presentation, Part 9

A long version of this presentation in written form is scheduled to be published in 2021 in an edited volume on the symposium topic by Stephanie Schroedter.

In the meantime, some of the topics mentioned in the talk have been explored already in:

Quick, Tamara Yasmin. 2020. “Die Qualität im Relationalen. Herausforderungen in der Analyse theatermusikalischer Interpretationen.” In Analyse und Interpretation, edited by Bernd Asmus. Stuttgart: Schott (forthcoming).

Roesner, David. 2020. “‘Gequietsche, Gewaber oder Gewummer’. Methodische Herausforderungen bei der Analyse von Theatermusik“.” In Methoden der Theaterwissenschaft, edited by Christopher Balme and Berenika Szymanski-Düll, 169–186. Tübingen: Narr.

Theatermusik und Probenethnographie – neue Publikation von Tamara Quick

Im Rahmen ihres Dissertationsprojektes zu “Live-Theatermusik auf der Bühne des Gegenwartstheaters” (Arbeitstitel) hat Tamara Quick festgestellt, dass zu ihrem methodischen Zugang ein Blick hinter die Kulissen nicht fehlen sollte und hat sich daher intensiv mit der noch jungen Disziplin der Probenethnographie beschäftigt. In dem Vortrag “Musizieren auf der Theaterbühne heute” vom Oktober 2019, der ihr Vorhaben vorstellt, schreibt sie dazu:

Um Live-Theatermusik auf der Bühne umfassend untersuchen, analysieren und als künstlerische Praxis des Gegenwartstheaters beschreiben zu können ja auch das Spannungsfeld zwischen Konzept und Intuition oder gar Zufall sowie künstlerischer Vision und Pragmatik miteinbeziehen zu können erscheint mir eine Kombination aus Aufführungsanalysen und ethnographischer Probenforschung als besonders vielversprechend. Nicholas Cook, der einen “ethnographic turn” (Cook, 2013: 250) in der aktuellen Musikwissenschaft beobachtet – Ähnliches kann ich auch für die Theaterwissenschaft gerade in Hinblick auf Probenforschung bestätigen – formuliert:   

“An ethnographic approach, by contrast, seeks to understand the performance of a particular piece in the context of the total performance event, encompassing issues of program planning, stage presentation, dress, articulation with written texts, and so forth.” (Cook, 2001: 8)

So gliedert sich mein Forschungsprojekt in Aufführungsanalyen – theaterwissenschaftlich, bewegungsanalytisch und hinsichtlich der musikalischen Interpretation und Aufführung – auf der einen Seite und Probenethnographien mit teilnehmender Beobachtung, Interviews und offenen Gesprächen auf der anderen Seite. Eine interdisziplinäre methodologische Herangehensweise ist unumgänglich, um nicht Einzelaspekte zu analysieren, sondern das Live-Theatermusizieren als komplexe Praxis begreifen zu können. Denn, wie Cook schreibt: „The triangulation of different disciplinary approaches […] creates the potential of significant added value.” (Cook, 2013: 84)

Insbesondere mein Forschungsschwerpunkt auf der live-musizierten Theatermusik auf der Bühne bietet sich für die probenethnographische Erforschung an, da Live-Bühnenmusik auf der Theaterprobe probiert werden muss und so im Kollektiv der beteiligten Künstler*innen auf der Probe zum Verhandlungs- und Reflexionsgegenstand wird, zuweilen sogar in kreativer Kollektivarbeit entsteht. Wie Kurzenberger bemerkt,

„hat die kollektive Kreativität [im Vergleich zur Kreativität eines Einzelnen] günstige Voraussetzungen, wissenschaftlich erfasst zu werden, denn sie kann nicht im Stillen und im Kopf eines einzelnen stattfinden, sondern der Dialog und die Kommunikation unter den Beteiligten ist Voraussetzung.“ (Kurzenberger, 2009: 200)

In meinem Forschungsvorhaben stelle ich nicht die Probe als Forschungsgegenstand bzw. Kreationsraum und ihre spezifischen Dynamiken und Praktiken in den Mittelpunkt meiner Untersuchung, sondern verstehe Probenforschung als Methode zur Wissensgenerierung üb die künstlerische Praxis, die sich eben besonders deutlich und nachvollziehbar im Probenkontext artikuliert: Durch eine intensive probenethnographische, teilnehmende Beobachtung und zusätzliche narrative Interviews und unstrukturierte Gespräche versuche ich Erkenntnisse über die künstlerische Praxis zu gewinnen, sodass ich die Theaterprobe als einen ‚Möglichkeitsraum zur Erkenntnisgewinnung‘ – also einen epistemologischen Möglichkeitsraum – über theatrale, künstlerische Prozesse und ästhetische Phänomene definieren möchte. Die Probe fungiert in meinem Verständnis also nicht nur als ein Möglichkeitsraum der künstlerisch forschenden Praxis, sondern auch als epistemologischer Raum, in dem Wissen über eine künstlerische Praxis aus einer Außen- bzw. Zwischenperspektive generiert werden kann.

In den Arbeiten zur Probenprozessforschung von Annemarie Matzke Arbeit am Theater (Matzke, 2012) sowie von Jens Roselt und Melanie Hinz Chaos und Konzept: Proben und Probieren im Theater (Hinz und Roselt, 2011) sowie insbesondere Not magic but work: An Ethnographic Account of a Rehearsal Process von McAuley (McAuley, 2015) wurde bereits wertvolle Vorarbeit zur Probenforschung geleistet, die ich mit einbeziehen werde, jedoch wurde der Fokus in diesen Arbeiten vermehrt auf die Theaterprobe als Forschungsgegenstand per se gelegt. Ich versuche hingegen ‚durch‘ eine intensive Probenethnographie – Probenforschung als Methodik – Erkenntnisse über meinen Forschungsgegenstand ‚Live-Theatermusik‘ zu gewinnen.

Tamara Yasmin Quick: “Musizieren auf der Theaterbühne heute” / Vortrag vom 23.10.2019, twm Forschungskolloquium

Um das Thema methodologisch zu fassen und interdisziplinär zu vertiefen, organisierte Tamara Quick im April 2019 eine Arbeitskonferenz zu aktuellen Erkenntnissen und Fragen der Probenforschung (siehe auch ihren Blog-Beitrag dazu). Nun hat sie die Ergebnisse dieser Konferenz in einem Artikel zusammengefasst, geordnet, reflektiert und zugespitzt, der vor wenigen Tagen erschienen ist: Hier eine kurze Vorschau:

Hildesheimer Wege zwischen Theatermusik und Musiktheater

Dokumentation des Mini-Symposiums am 24. Oktober 2019 auf dem Kulturcampus Domäne Marienburg an der Universität Hildesheim

Im Oktober 2019 fanden an der Stiftung Universität Hildesheim die Feierlichkeiten im Rahmen des 40-jährigen Bestehens der kulturwissenschaftlichen Studiengänge dort statt. Zwischen Rückschau, Standortbestimmung und Zukunftsvision bewegten sich die zahlreichen Beiträge. Das für Hildesheim so charakteristische Studieren zwischen Theorie und Praxis und zwischen verschiedenen künstlerischen Disziplinen hat dabei gerade auch im fließenden Feld zwischen Musiktheater und Theatermusik viele Absolventinnen hervorgebracht, die wichtig Impulse für diese Landschaft gegeben haben und immer noch geben. Matthias Rebstock, Professor für Szenische Musik in Hildesheim, hatte daher ein kleines Symposium zusammengestellt, bei dem vier Absolvent*innen ihre Arbeit vorstellten und im Gespräch mit ihm und mir diskutierten: Ingo Günther, Sebastian Kunas, Katharina Pfänder und Lars Wittershagen.
Im Folgenden sind einige Auszüge aus diesem Gespräch als Audio-Clips dokumentiert.

Lars Wittershagen stellte eingangs unter anderem seine Zusammenarbeit mit Sebastian Nübling vor. Er beschrieb dabei die zunehmende Tendenz, seine Theatermusik nicht als eine Reihe einzelner Cues zu denken, sondern als einen durchgängigen Gesamtsound der Inszenierung, was an der Insznierung von Die Verlobung in St. Domingo verdeutlichte.

Die Verlobung in St. Domingo. Thalia Theater Hamburg. Foto: Tanja Dorendorf
Lars über seine Arbeitsweise und die Inszenierung Die Verlobung in St. Domingo

Katharina Pfänder beschrieb eine Reihe von Konstellationen, in denen ihr Streichquartett „Quartett PLUS 1“ immer wieder neu Musik und Musizieren in Bezug setzt zu einem weiteren Element, sei es Tanz, Video, Text, ein Museum oder… Gemüse!

Katharina über Quartett PLUS 1
Katharina zur Arbeit mit Video
Katharina zum Projekt Songs of Sprouts
Quartett PLUS 1: Songs of Sprouts
Katharina über Hinter Glas

Sebastian Kunas beschrieb das Spektrum seines Musizierens und Komponierens von Hörspiel über Lecture-Performance zu Theater, die sich oft explizit und selbstreflexiv mit Digitalität auseinandersetzen.

Sebastian über seine Arbeit mit einem Ausschnitt aus dem Hörspiel Anna
Sebastian über seine Arbeitsweise(n) und das Performen mit dem Computer

Ingo Günther erzählte anschaulich von seiner Zusammenarbeit mit Herbert Fritsch und dem Suchen nach einer Live-Musik für das Theater, die gleichberechtigter Teil des Geschehens ist und Fritschs Mischung aus Slapstick und „Dada auf Speed“ (Günther) rhythmisch und szenisch mit trägt und erzeugt.

Ingo über die Ästhetik von Herbert Fritschs Theater
Ingo über Liveness
Ingo über die Arbeit mit Computer am Beispiel von Der eingebildete Kranke (Burgtheater Wien)
Tonbeispiel aus Proben zu Der eingebildete Kranke
Ingo über die Arbeit an Pfusch

Diskussion: Im Anschluss diskutierten alle vier Podiumsgäste eine Reihe von Fragen: darunter zunächst die nach der Bedeutung des Studiengangs in Hildesheim für ihre Arbeit und welche Rolle ein Begriff wie “Handwerk” für sie spielt:

Diskussion Teil 1
Diskussion Teil 2

Weiter fragte ich danach, wie sich die Arbeit im Spannungsfeld von Digital und Analog gestaltet und wie die Podiumsgäste das in ihren Arbeiten jeweils produktiv machen.

Diskussion Teil 3
Diskussion Teil 4

Die nächste Frage zielte darauf, dass bei allen vier Musiker*innen das Musikmachen nie reine Klangerzeugung ist, sondern immer auch theatral oder zumindest performativ erscheint. Was heißt es daher für die Einzelnen als Musiker*innen auf der Bühne zu stehen oder Musiker*innen auf die Bühne zu stellen?

Diskussion Teil 5

Matthias fragte dann nach dem Verhältnis von Theatermusik und Regie im Probenprozess, da die Arbeitsweisen suggerieren, das die Arbeitsteilung sich vielleicht nicht mehr immer so klar gestaltet.

Diskussion Teil 6

Abschließend interessiert mich noch, ob sich für die Musiker*innen auf dem Podium bestimmte Arbeitsweisen etabliert und bewährt haben. Gibt es Routine? Bleibt es ein Suchen?

Diskussion Teil 7

Biografien:

Ingo Günther wurde 1965 in Bremen geboren und studierte ab 1986 Kulturwissenschaften und ästhetische Praxis an der Universität Hildesheim und Pop-Musik an der Hochschule für Musik und Theater Hamburg. Er ist Mitbegründer der Filmmusikband die paramounts, mit denen diverse CD-Produktionen entstehen. Zusammenarbeit mit Regisseuren wie Jarg Pataki, Sebastian Baumgarten, Barbara Weber, Claudia Bauer und Armin Petras am Schauspiel Leipzig, dem Bayerischen Staatsschauspiel, Theaterhaus Jena, Nationaltheater Weimar, Schauspiel Magdeburg, Burgtheater Wien, Thalia Theater Hamburg, Maxim Gorki Theater und der Volksbühne Berlin. Zusammenarbeit mit Herbert Fritsch ab 2007, u. a. im intermedialen Kunstprojekt Hamlet X und an der Volksbühne Berlin in Theaterarbeiten wie Die (s)panische Fliege (2011), Murmel Murmel (2012), Ohne Titel Nr. 1 – Eine Oper von Herbert Fritsch (2014), der die mann (2015) oder Pfusch (2016).

Sebastian Kunas wurde 1984 in Bielefeld geboren, studierte Kulturwissenschaften und Musik an der Universität Hildesheim und lebt in Hannover. Er arbeitet als Künstler und Vermittler in den Bereichen Musik, Klangkunst und Theater sowie im universitären Kontext. Neben seiner Vorliebe für Klangsynthese, Elektroakustik und maschinische Repetition ist er semi-geschulter Bassist, Schlagzeuger und Gitarrist. Mit seinem Hintergrund in der Pop- und DIY-Kultur sowie in den Cultural Studies und Sound Studies, interessiert er sich für die sozialen Verflechtungen von Musik und für künstlerische Reflexionen und spielerische Subversionen von Machtstrukturen.
Er ist Mitglied des Kollektivs ARK, einer freien Assoziation von Musikerinnen, Produzentinnen, Schreiberinnen, Wissenschaftlerinnen und elektronischen MusikmachDingen, die Heterochronizität und Mehrspurwissen performen, auf der Suche nach post-repräsentativen Soundformaten. Außerdem spielt und tourt er mit Bands, derzeit mit der Lo-Wave Softie Post-Punk Gruppe The Work-Life Balance.

Katharina Pfänder wurde 1979 in Augsburg geboren und ist freischaffende Musikerin in den Bereichen Konzert, Theatermusik und Studio aus Hannover. Sie studierte an der Universität Hildesheim Kulturwissenschaften und ästhetische Praxis mit den Fächern Musik, Bildende Kunst, Philosophie und im Anschluss Jazz-Violine bei Hajo Hoffmann und Ulli Bartel an der Hochschule für Musik und Theater Hannover. Ihr Hauptinteresse gilt zum einen einer breiten Vielfalt musikalischer Stile, zum anderen der experimentellen Streicherarbeit.
Mit ihrem interdisziplinären Ensemble Quartett PLUS 1 (Nominierung YEAH-Award 2013, Junge Ohren Preis 2014) entwickelt sie neue Konzertformate und arbeitet u.a. mit den Komponisten Claudio Puntin, Matthias Schubert, Thomas Meadowcroft und Stefan Wurz zusammen. Als Theatermusikerin ist sie für freie Gruppen (werkgruppe 2/Göttingen, dreiprozentextra/Bremen), sowie am Schauspielhaus Hannover (Kunst wird wo anders gebraucht, wo sie rumsteht), Staatstheater Braunschweig (Polnische Perlen, Swamp Club/Theaterformen), Theater für Niedersachsen Hildesheim (Dogfight, Love Story, Frühlingserwachen, Die Brücken am Fluss) und am Deutschen Theater Göttingen (Spring Awakening) tätig.

Lars Wittershagen wurde 1969 in Schwerte geboren und studierte von 1992 bis 1998 Kulturwissenschaften und ästhetische Praxis an der Universität Hildesheim und arbeitete dort bis 2000 als Lehrbeauftragter am Institut für Theater und Medien. Gleichzeitig ist er in der freien Theaterszene als Theatermusiker tätig. Bereits seit 1998 verbindet ihn eine enge Zusammenarbeit mit dem Regisseur Sebastian Nübling. Gemeinsam mit der Bühnenbildnerin Muriel Gerstner entstanden Produktionen am Theater Basel, dem Staatstheater Stuttgart, dem Schauspiel Hannover und den Münchener Kammerspielen. Mit Dido und Aeneas am Theater Basel gewinnen sie 2007 den 3sat Preis.
Gegenwärtig arbeitet Wittershagen mit den Regisseur*innen Sebastian Nübling, Robert Lehniger, Hakan Savaş Mican, Karin Henkel, Bastian Kraft, dem Regieduo Ene-Liis Semper/Tiit Ojasoo, Simon Stone, Peter Kastenmüller und Lars-Ole Walburg am Gorki in Berlin, dem Hamburger Thalia Theater, dem Hamburger Schauspielhaus, dem Schauspielhaus Zürich, dem Deutschen Theater in Berlin, dem Schauspiel Hannover und dem Düsseldorfer Schauspielhaus.

Buchvorschau “Theatermusik. Analysen und Gespräche”. Teil 17: Carolina Bigge

Ein kurzer Auszug aus dem im November 2019 erscheinenden Buch Theatermusik. Analysen und Gespräche (Roesner, Theater der Zeit 2019):

Carolina Bigge: Ich finde das Theater einen guten Arbeitsplatz, würde es aber auch nicht nur machen wollen. Dazu interessieren mich noch die ganzen anderen Dinge, die ich machen darf: Songs schreiben, unterrichten, Konzerte spielen usw.
Es würde mich auch interessieren, noch mehr Filmmusik zu machen – bisher habe ich nur einzelne Songs für Filme geschrieben –, aber ich habe da auch Respekt davor. Es ist halt ganz anders, weil man auf das fertige Produkt schaut, wenn die Musik entsteht. Mir ist das Live-Musizieren da schon noch näher, weil ich auch toll finde, dass es jeden Abend anders ist. Wir haben Dreigroschenoper jetzt schon fünfzig Mal gespielt, und es ist immer irgendwie anders, auch, weil die Schauspieler* innen so gut sind und Lust haben zu improvisieren – das finde ich toll.
Es ist immer das Interessanteste, in dem, was man tut, nicht so festgefahren zu sein. Das ist auf jeden Fall mein Punkt. Ich finde das nur von Vorteil, dass ich so viele verschiedene Sachen mache und alles von allem profitiert. Als Popmusikerin denke ich anders als viele im Theater …

DR: Und wenn du nach einer Theaterarbeit wieder mit einer Band auf der Bühne stehst, denkst du über diese szenische Situation wieder anders nach …?

CB: Genau. Das befruchtet sich total. Das ist auch bei unserer Band hier im Theater so: Da sind Klassikerinnen dabei, eine Jazzerin dabei, eine reine Popgitarristin – und wir treffen uns zusammen und kriegen einen gemeinsamen Sound hin. Das ist eine große Bereicherung. Schwierig wird es nur, wenn sich einer über den anderen stellt.

DR: Du hast vorhin gesagt, dass Musizieren für dich eine Mischung aus Schreiben, Produzieren, Arrangieren ist: Kannst du deine Musik beschreiben, gibt es da stilistisch einen roten Faden?

CB: Es ist vielfältig, aber eine Konstante, in dem, wie ich arbeite, besteht in einem authentischen Gefühl, das ich dazu habe. Das ist die einzige Chance, die man hat: Sich in Verbindung mit dem zu bringen, was man sieht, oder mit dem Stück oder der Musik, die da ist, und dann ganz ehrlich zu gucken, wie man das betrachten kann und was man ausdrücken möchte. Es gibt zwar auch den Gedanken, »Was wollen die Leute hören?«, und man hat auch die Aufgabe, das zu unterstützen, wofür man sich inszenatorisch entschieden hat, aber ich denke eher wenig darüber nach, was andere denken könnten. Das ist etwas, was ich gut kann: keine Angst davor zu haben, dass es auch mal Kitsch wird, weil ich eben glaube, dass die Emotion, die ich fühle, auch vom Publikum geteilt wird.

Buchvorschau “Theatermusik. Analysen und Gespräche”. Teil 16: Ingo Günther und Malte Preuss

Ein kurzer Auszug aus dem im November 2019 erscheinenden Buch Theatermusik. Analysen und Gespräche (Roesner, Theater der Zeit 2019):

DR: Wie ist es bei Euch – arbeitet ihr viel am Computer?

Ingo Günther: Nee, inzwischen gar nicht mehr. Das ist aber auch eine Absprache mit Herbert, weil wir sagen: Theater ist live, es ist Schweiß. Das ist dann auch eine Entscheidung. Wenn ich überhaupt mit Computer arbeite, dann möchte ich auch, dass er etwas macht, was nur ein Computer kann. Ich möchte ihn nicht benutzen, um eine Realität abzubilden. Wo ich ihn so benutzt habe, war z. B. unsere letzte Arbeit “Der eingebildete Kranke” an der Burg. Da konnte ich nicht live dabei sein und habe dann Musik für drei Cembali geschrieben. Wir sind dann darauf gekommen, dass die auch automatisch spielen könnten – wie diese Pianola Pianos. Diese Cembali hat dann jemand gebaut, und die wurden dann vom Computer mit MIDI-Dateien gefüttert. Und dann natürlich mal los! [lacht] Die können dann auch was spielen, was keine Sau spielen kann. Das war dann auch Konzept. Das fand ich dann schön, diese Verbindung von den uralten Instrumenten, die aber von Hightech zugeballert werden. Bei einem anderen Stück in Hamburg, “Die Kassette”, spiele ich jetzt gerade nur Flügel live auf der Bühne und merke aber, durch das ganze elektronische Zeug aus den Neunzigern hat man natürlich auch eine ästhetische Erfahrung gemacht, die ich jetzt wieder mit ans Klavier nehme, also Erfahrungen, die man in der digitalen Welt gemacht hat, auf das Analoge zu übertragen. Dann passiert da was. Das ist auch irgendwie neu, denn diese Erfahrung hatte z. B. der Cage jetzt nicht, obwohl er auch zu schrägen Ergebnissen gekommen ist. Es ist ja z. B. so: Wenn man am Synthesizer ein rosa Rauschen erzeugen will, dann werden per Zufallsgenerator willkürliche Töne gespielt, und wenn man das immer schneller dreht, entsteht ein Rauschen. Und da dachte ich: Da habe ich ja drei Cembali … [lacht]! Und dann habe ich denen Zufallstöne gegeben, Tempo auf 2080 [lacht] und dann spielen diese drei Cembali, und man hört nur ein [macht brummendes Rauschen nach]. Da finde ich den Computer gut, weil er eben so etwas kann.

Malte Preuss: Auch noch mal zum Computer: Ich sitze manchmal nachts da und spiele Gitarre, nur für mich. Das nehme ich immer öfter auch auf, gebe das dann in den Computer ein und bekomme ein Notenbild. Und aus so einem intimen Moment, nachts in der Küche, mache ich dann Musikstücke. Das finde ich einen kreativen Profit, dass man Dinge so schnell aufnehmen und verarbeiten kann. Aber am Anfang steht mein Spiel, und das gibt eine komplett andere Musik, als wenn ich zu einem Bass oder Schlagzeug nur dazuspiele.

DR: Man könnte ja meinen, dass Digitalität bedeutet, dass man keine Musiker*innen mehr für Aufnahmen bestellen muss, dass aber das Denken das gleiche ist: Man schreibt ein Stück und nutzt eben den Computer als Aufnahmestudio. Was ihr aber beschreibt, ist ein ganz anderer, kreativer Umgang, nämlich zwischen digitalen und analogen Medien die jeweiligen materiellen Bedingungen und damit verbundene ›Denke‹ zu nehmen und dann miteinander eine Reaktion zu erzeugen. Also auch zu fragen: Wie können wir durch das eine Medium einen Abstand zum anderen gewinnen?

MP: Das Absurde ist ja: Je weiter sich der Computer entwickelt, desto analoger will er klingen. Alles, was an neuem Zeugs rauskommt, tut eigentlich so, als wäre es eine alte Bandmaschine.

Buchvorschau “Theatermusik. Analysen und Gespräche”. Teil 15: Jörg Gollasch

Ein kurzer Auszug aus dem im November 2019 erscheinenden Buch Theatermusik. Analysen und Gespräche (Roesner, Theater der Zeit 2019):

DR. Welche Rolle spielt der Computer für dich?

Jörg Gollasch: Nun ja, der ist letztendlich einfach der verlängerte Arm, aber es gibt auch viele Tools, mit denen ich arbeite, die nicht in diesem Sinne beherrschbar sind. Es gibt Plug-ins, die von sich aus Zufallsergebnisse liefern. Iris 2 ist ein sample layer-tool mit einem grafischen Interface, wo du mit verschiedenen Cursor-Funktionen – Pinsel, Lasso usw. – grafische Figuren einzeichnen kannst, die sich auf verschiedene musikalische Parameter beziehen. Das kann man gar nicht alles antizipieren, was passiert, wenn du da etwas einmalst. Da weiß ich nur, was das grundsätzlich kann, und wähle dann aus.
Mit dem Computer setze ich letztendlich Sachen um, die ich vorher im Kopf habe. Die Idee ist zu 95 Prozent vorher da. Oft habe ich sogar schon bestimmte Filter oder Ähnliches im Kopf. Für Onkel Wanja ging es um Kälte-Sounds, da hatte ich – auch aus Filmen – vieles im Kopf; hohe Sounds mit einem Filter, die dann hinten im Raum stehen und die man nicht so richtig orten kann. Das versuche ich dann herzustellen. Zusätzlich zur Sounderzeugung am Computer mache ich aber auch sehr viele Aufnahmen. Ich lasse mir zunehmend von den Theatern ein Budget zur Verfügung stellen, damit ich Musiker aufnehmen kann, je nachdem, was ich in der Produktion so brauche. Oft bitte ich die Musiker, einfach mit Klängen zu improvisieren, die auf dem Instrument möglich sind: Ventilklappern, Reinpusten bei Blasinstrumenten, Daraufklopfen, Dämpfer rein und raus tun oder bei Streichinstrumenten die verschie- denen Spielarten. So lege ich mir eine Bibliothek an Klängen an, die ich dann benutzen kann, und bei denen ich nicht wüsste, bei welchen presets oder Plug-ins sich so etwas findet.
In Hamburg bin ich z. B. vor einem Jahr einen Tag in die Metallwerkstatt gegangen, habe mir einen riesigen Container mit allen möglichen Metallstücken, Platten und Ketten geholt und habe das zwei Tage lang alles im Tonstudio des Theaters mit dem großartigen Tontechniker Shorty Gerets aufgenommen – wenn man die Objekte anschlägt, fallenlässt, gegeneinander reibt, mit einem Bogen bearbeitet – also alle möglichen Klänge, dann ist das die Grundlage für ganz viele Sounds, auch in weiteren Produktionen.

Buchvorschau “Theatermusik. Analysen und Gespräche”. Teil 14: Thomas Seher

Ein kurzer Auszug aus dem im Oktober 2019 erscheinenden Buch Theatermusik. Analysen und Gespräche (Roesner, Theater der Zeit 2019):

DR: Wie hast du dir das, was du heute brauchst, angeeignet? Du spielst Klavier, Gitarre, Saxofon, hast Chorerfahrung …

Thomas Seher: … und singe auch, genau. Das ist, glaube ich, eine gute Mischung. In diesem Job kommt man ja nicht mehr weit, wenn man nur ein Instrument spielt. Ich glaube, es braucht diese Mischung aus Handwerk – dass man komponieren kann, ein leadsheet schreiben oder etwas orchestrieren kann – eine gewisse Freiheit in den Stilen, dass man mal was Klassisches, was Schräges, aber auch etwas Konventionelles komponieren kann, mal Reggae, mal etwas Fünfstimmiges, weil man gerade fünf Schauspieler*innen hat, oder einen Song mitsamt Liedtext. Und man braucht eine Technikaffinität: Computer, Software, Ableton Live, Logic – diese ganzen Sachen, die man in keinem Kurs lernen kann. Ich hänge Stunden vor dem Rechner und schaue mir Tutorials von irgendwelchen neuen Plug-ins an.

DR: Das heißt, es gibt eine erste, sehr freie Phase mit viel Improvisation, wo du jetzt nicht primär konzeptionell herangehst? Ein intuitives Reagieren auf ein Stück?

TS: Absolut. Die Phase unterschätzt man immer, aber die ist für mich als Musiker mega-wichtig, weil ich da alles ausprobieren kann und diesen Schutzraum habe. Ich darf auch alles. Bei der zweiten Probe ist das schon nicht mehr so, habe ich festgestellt. Auch bei Marco Štorman: Bei der ersten Probe kann man sich selbst noch überraschen, aber auch das Team. Es geht darum, die Schauspiel-Improvisation musikalisch mitzugestalten, indem man musikalische Räume behauptet, Stimmungen lenkt, Zäsuren setzt oder einfach mal zu laut ist. Viele Schauspieler*innen haben Angst vor dem ersten Tag der Improvisation – merken aber, dass meine Musik wie ein Partner auf der Bühne funktionieren kann. Da kann man als Schauspieler*in erst einmal schauen und eine musikalische Erfahrung machen und muss nicht sofort etwas darstellen. Die Musik ist da ein ganz aktiver Teil der Szenerie.

DR: Wie verhalten sich Improvisation und dein vorbereitetes Material zueinander?

TS: Wir haben häufig nach den ersten Gesprächen am Tisch eine frühe Probenphase, in der alle gemeinsam improvisieren, und da bringe ich meine Tracks mit ein, aber auch Tracks von anderen Komponisten. Wenn ich z. B. merke, da braucht es jetzt einen Drum ‘n’ Bass Track, den ich aber nicht selbst vorbereitet habe, dann nehme ich einen fertigen, weiß aber, dass ich den am Ende ersetzen werde. […]

Das Improvisieren sieht bei mir so aus, dass ich unter Kopfhörern arbeite, während der/die Regisseur*in neben mir Gespräche mit den Schauspieler*innen führt. Das scheint wichtig zu sein, dass ich das eben nicht zu Hause mache, sondern dass die Musik an dem Ort, wo es passiert, entsteht. Ich nehme bestimmte Stimmungen und Irritationen auf und komme stilistisch irgendwie auf eine Spur, die mir hilft und die mich auch in das Stück einbettet. Das Gespräch beeinflusst mich dabei natürlich, auch inhaltlich.

Buchvorschau “Theatermusik. Analysen und Gespräche”. Teil 13: Bernadette La Hengst

Ein kurzer Auszug aus dem im Oktober 2019 erscheinenden Buch Theatermusik. Analysen und Gespräche (Roesner, Theater der Zeit 2019)

DR: Wie würdest du deine Tätigkeit beschreiben, welchen Begriff verwendest du dafür?

Bernadette La Hengst: Theatermusikerin ist eigentlich nicht der richtige Begriff, weil ich ja auch immer mit auf der Bühne bin, auch als Performerin. Außerdem bin ich auch Regisseurin. Ich bin also eher Theatermacherin, würde ich sagen. Das ist mir auch wichtig, denn ich glaube nicht, dass ich über die reine Theatermusik, bei der man so im Hintergrund Sounds macht, zum Theater gekommen wäre.

DR: Wie bist du denn zum Theater gekommen?

BLH: Ich wurde 2003 gefragt, ob ich bei einem Stück mitmache. Als Vorgeschichte muss man noch wissen, dass ich ohnehin mal zum Theater wollte: Bevor mir klar wurde, dass ich Musikerin sein will, wollte ich Schauspielerin werden. Das habe ich auch ein paar Jahre lang in freien Gruppen gemacht und hatte dadurch schon einen Bezug zum Theater. Dann habe ich begonnen, Bands zu gründen. Ich habe aber auch gemerkt, dass es mich gestört hat, im Theater einen vorgegebenen Text zu haben und mit dem Regisseur einen meist männlichen Entscheider, der mir sagt, wie ich mich auf der Bühne zu bewegen habe. Das Feld, in dem ich mich kreativ äußern konnte, war mir zu klein. Außerdem hatte das Theater Ende der Achtziger in Berlin nichts mit meinem Leben zu tun. Das war mir zu abgehoben. […]

DR: Was ich interessant finde zu beobachten an deiner Arbeit, ist, dass du häufig mit Laien – im Sinne von: Menschen, die keine musikalische oder theatrale Ausbildung haben – arbeitest und daraus auch eine besondere Qualität entwickelst, gleichzeitig aber auch ein Interesse und ein Talent hast, dass das Resultat musikalisch gut klingt, gut produziert ist und nicht den Eindruck von betulich oder ›gut gemeint‹ macht. Wie moderierst du zwischen diesen möglicherweise im Konflikt stehenden Ansprüchen?

Bernadette La Hengst: Natürlich muss man immer schauen, wo die Leute am besten Zugang finden. Die Senior*innen schrecken Lautstärke und Beats eher ab, aber man kann sie daran gewöhnen. Ich habe jetzt schon dreimal Projekte mit Alten gemacht, und die, die sich nicht daran gewöhnen konnten, haben halt Ohrenstöpsel gekriegt [lacht]. Aber eigentlich waren alle am Ende immer sehr zufrieden mit dem Ergebnis. Raus aus der Mottenkiste und rein in die moderne Welt, das hat denen schon auch gefallen. ›Betulich‹ heißt halt immer, dass man bei sich selber stecken bleibt. Es muss jetzt nicht mit Hauruck immer Hip-Hop werden, aber es muss schon etwas Neues erfunden werden.

Ich bin ja auch eine Verfechterin von eigenen Liedern und eher gegen Coverversionen. Da kann man sich so schön gemütlich drin einrichten, aber das ist mir zu einfach. Gerade im Theater passiert das ja sehr oft, dass man Cover-Versionen nutzt, um sich an eine Zeit, an ein Lebensgefühl zu erinnern, an das dann alle Anschluss finden können. Das ist mir als Songschreiberin, aber auch als Künstlerin allgemein zu einfach. Ich glaube, dass es viel interessanter ist, wenn Leute ihre eigenen Gedanken in ein Lied packen. Damit hat das auch etwas zu tun, nicht nur mit der musikalischen Umsetzung. Das geht dann Hand in Hand. Wenn man sich etwas Eigenes ausdenkt, muss es auch eine eigene musikalische Form dafür geben. Meine Form sind eben Pop Songs, oft auch sehr tanzbare Pop Songs und mittlerweile auch oft Chöre. Dabei frage ich mich aber auch oft, wie gleichmacherisch so etwas ist. Kann man in einem Chor auch eine Vielschichtigkeit ausdrücken, verschiedene Stimmen hören? Ich möchte, dass man auch Differenzen hört in so einem Chor, gerade auch, wenn im Text Dinge diskutiert werden sollen und das Ganze nicht nur zum harmonischen Wohlklang dient.

Buchvorschau “Theatermusik. Analysen und Gespräche”. Teil 12: Insa Rudolph

Ein kurzer Auszug aus dem im Oktober 2019 erscheinenden Buch Theatermusik. Analysen und Gespräche (Roesner, Theater der Zeit 2019):

DR: Meistens dient Musik im Theater und im Film ja dazu, fiktionale Welten mit hervorzubringen und Geschichten zu erzählen. Geht es in deiner Arbeit trotzdem auch darum, obwohl das Material ein anderes ist? Oder kommt der Musik im Dokumentarischen eine andere Rolle zu?

Insa Rudolph: Ich glaube, dass Musik auch im Dokumentarischen als ein Mittel der Verdichtung funktionieren kann und darf. Die Herausforderung ist für mich, das Spannungsverhältnis zwischen einer dokumentarischen Purheit und der Möglichkeit der emotionalen Anteilnahme über Musik auszuloten, so, dass die Würde des Protagonist*innen gewahrt bleibt. Musik kann außerdem Räume fernab einer direkten Erzählung schaffen, Denk- und Fühlräume, in denen man zu nichts ›aufgefordert‹ wird. Und nicht zuletzt gibt es auch einen dokumentarischen Anspruch an die Musik selbst: Ich stelle mir natürlich immer die Frage: Was gibt es für musikalische bzw. klangliche Anknüpfungspunkte an diese konkreten Texte, Geschichten, an eine Epoche oder einen Ort Das liegt mal mehr auf der Hand und mal weniger. Jetzt bereiten wir gerade ein Stück zum Thema der 68er Jahre vor[i] – da liegt eine bestimmte Musikauswahl sehr nahe. Und im Film ist es genau das Gleiche: Da finde ich es auch spannend herauszufinden, was das für Geräuschwelten sind, aus denen diese Geschichten kommen, und was ich auf ganz anderer, viel subtilerer, psychologischerer Ebene mit so einer Musik bewirken oder anstoßen, erzählen, oder eben: dokumentieren kann.

DR: Das beinhaltet natürlich die Frage, was man unter ›dokumentarisch‹ versteht und wie sich dieser Anspruch mit Musik verträgt?[ii] Da gibt es ganz unterschiedliche Techniken, wie z. B. das sogenannte verbatim theatre[iii], die gerade darauf bestehen, dass das verwendete Interviewmaterial möglichst unbearbeitet wiedergegeben wird. Ihr bearbeitet hingegen euer Material stark, sowohl dramaturgisch als auch musikalisch. Wann kommt die Musik dabei ins Spiel? Es klingt so, als ob das von Anfang an zusammengedacht wird?

IR: Ja, die Musik wird sehr früh mitgedacht. Schon in den Interviews gibt es immer auch Fragen nach Musik, Geräuschen, nach Klangräumen. Nachdem wir uns für ein Thema entschieden haben, entwickeln wir ein Konzept für Bühne und Musik, um in Folge über Besetzung und Instrumentierung nachzudenken. Ein gutes Beispiel ist das Stück Polnische Perlen[iv], bei dem es um osteuropäische Pflegekräfte im Bereich der Altenpflege ging. Sehr früh entstand die Idee, dass die Musikerinnen auf der Bühne eine Art Stellvertreter für die Alten sind, die keine Sprache mehr haben oder sich mit den Pflegerinnen oft nicht verständigen können. Sprachlosigkeit, Verlangsamung, Gedächtnisverlust waren die Themen, die da musikalisiert wurden, die in Kompositionen zum Ausdruck gebracht wurden. Das war eine Konstellation, die ganz wunderbar funktioniert hat, bei der Musik, Schauspiel und Szene toll ineinander greifen konnten.


[i] Die Ehen unserer Eltern von werkgruppe2, Regie: Julia Roesler, Badisches Staatstheater Karlsruhe, Uraufführung am 11. März 2018.

[ii] In einem Symposium mit dem Titel »Singing the Document. Exploring the relationship of documentary material and its music-theatrical treatment« diskutierten Theatermacher*innen und Wissenschaftler*innen diese Frage, wobei Julia Roesler und Silke Merzhäuser auch die Arbeit von werkgruppe2 präsentierten. Siehe http://www.theaterwissenschaft.uni-muenchen.de/aktuelles/archiv/archiv_2016/termine/symp_sing_act_doc/index.html, zuletzt aufgerufen am 18. März 2018.

[iii] Verbatim Theatre ist eine dokumentarische Theaterform, bei der vorwiegend oder ausschließlich Texte aus Interviews mit Zeitzeugen von Schauspielern gesprochen werden. Siehe http://www.dramaonlinelibrary.com/genres/verbatim-theatre-iid-2551, zuletzt aufgerufen am 17. März 2018, sowie u. a. Martin, Carol (Hrsg.): Dramaturgy of the Real on the World Stage, New York: Palgrave Macmillan, 2010; Paget, Derek. »›Verbatim Theatre‹: Oral History and Documentary Techniques«, New Theatre Quarterly 3/12 (1987): S. 317 – 336.

[iv] Polnische Perlen. Ein Dokumentarstück über osteuropäische Pflegekräfte von werkgruppe2, Regie: Julia Roesler, Staatstheater Braunschweig, Uraufführung am 20. März 2014.

Buchvorschau “Theatermusik. Analysen und Gespräche”. Teil 11: Thomas Kürstner und Sebastian Vogel

Ein kurzer Auszug aus dem im Oktober 2019 erscheinenden Buch Theatermusik. Analysen und Gespräche (Roesner, Theater der Zeit 2019):

DR: Bei Nicolas Stemanns Inszenierungen seid ihr ja häufig auch sichtbar auf der Bühne. Wie versteht ihr dabei eure Rolle?

Thomas Kürstner: Vielleicht sollten wir von Zwischenrollen sprechen. Wir wollen das gar nicht so richtig – ich muss sagen, ich bin gerne nur Musiker – , aber es passiert immer wieder. Es hängt auch damit zusammen, dass wir mit Nicolas so viele Konzerte gespielt haben. Dort haben sich die Grenzen zum Theatralen, Szenischen, Performativen längst aufgelöst. Im Faust[i] hat uns Nicolas eine ganze »Expertenszene« eingeräumt. Wir spielen zwei Handpuppen – zwei alte Zausel, die das Helmi-Theater gebaut hat, und wir erzählen dem Publikum als vermeintliche Experten, was uns gerade im Moment über den Faust II so durch die Birne rauscht; das ist sehr lustig geworden. In jeder Vorstellung assoziiert man sich neu durch ein Dickicht von Realität, Text, Fantasien und Absurditäten: Was hat Goethe da gerade in Leipzig gemacht – oder in Wien, je nach Gastspielort, warum wollte er aus Auerbachs Keller unbedingt eine Pizzeria machen, was passierte eigentlich mit seinen zehn Söhnen auf seiner Italienreise … Da ist man natürlich kein Musiker mehr, aber wir werden als Figuren sehr bei uns belassen.

Sebastian Vogel: … und kriegen die Rollen eher angeheftet …

TK: … weil wir so angesprochen werden. Aber wir ändern nichts …

SV: Wir verkörpern nichts.

DR: Man hat den Eindruck, dass zwischen euch und der Regie ein fließender Wechsel herrscht.

TK: Ja. Mal sagt Nicolas: »Hört da lieber auf, oder macht da weiter«, oder »jetzt brauch ich ’was«. Gleichzeitig können wir aber auch machen, was wir wollen: Es ist ein Geben und Nehmen, das von großem Vertrauen geprägt ist.

DR: Das klingt so, als ob das Verfahren, wie ihr Musik macht, zunächst auch viel mit Improvisation zu tun hat, also eher spielerisch und weniger konzeptionell ist?

SV: Absolut. In Improvisationen verfestigen sich Gedanken. Idealerweise trifft man auf einen brauchbaren, vielleicht schönen Kern.

TK: Gerade als Theatermusiker ist man das gewohnt. Man sitzt vor einem Instrument, und jemand sagt zu dir: »Spiel!«

SV: »Mach mal ’n Liebeslied!« oder: »Wir brauchen ’was ganz Wildes!« [lacht]

TK: »Etwas Düsteres! Was zum Tanzen!« Dann kriegst du noch drei Melodien ins Ohr gesungen: »Woah, kennst du das?« Daraus wird dann irgendwas. Da sollte man dann anfangen zu spielen.


[i] Nicolas Stemanns achtstündiger Faust I + II hatte 2011 bei den Salzburger Festspielen Premiere.